Lakota與西方藝術史在Dyani White Hawk充滿活力的作品中交融

Lakota 與西方藝術史在 Dyani White Hawk 充滿活力的作品中交融

 

 

縱觀歷史,那些掌握最大權力或資源的人的故事通常被載入教科書,代代相傳,並銘刻在我們的集體意識中。如果不刻意去努力,我們很難聽到不只一個故事,在藝術史上,現實也大致如此。但那些長期以來被忽視的、極其廣泛的藝術形式——尤其是原住民藝術形式——又該如何看待呢?

 

縱觀歷史,那些掌握最大權力或資源的人的故事通常被載入教科書,代代相傳,並銘刻在我們的集體意識中。如果不刻意去努力,我們很難聽到不只一個故事。

在藝術史上,現實也大體如此。從米開朗基羅這樣的文藝復興巨匠,到傑克遜波洛克這樣不羈的美國現代主義藝術家,白人男性藝術家始終享有特權。例如,19世紀美國風景畫的根基與「昭昭天命」的信仰密不可分,當時美國政府正大力向西擴張。西方繪畫和雕塑在歷史上一直佔據著畫廊和拍賣行等市場主導地位。但那些長期以來被忽視的、極其廣泛的藝術形式——尤其是原住民藝術形式——又該如何看待呢?

 

Lakota 與西方藝術史在 Dyani White Hawk 充滿活力的作品中交融

 

西恰日烏拉科塔族藝術家戴亞妮·懷特霍克(Dyani White Hawk)而言,美國藝術史的建構是她跨領域實踐的核心。 「她揭露了長期以來支配文化合法性、權威性、價值和可見性的排他性等級制度,」亞歷山大·格雷聯合公司(Alexander Gray Associates)和博克利畫廊(Bockley Gallery)的一份聯合聲明中寫道。 從這個角度來看,懷特霍克將原住民藝術和西方抽象藝術重新定義為不可分割的實踐——它們通過共同的歷史聯繫在一起,而主流敘事卻竭力將其割裂和模糊。

巴勃羅·畢卡索有句名言:「好的藝術家抄襲,偉大的藝術家竊取。」如果不是他對非洲面具的痴迷,像《亞維農少女》以及其他創作於20世紀初的開創性畫作就不會存在。懷特霍克將20世紀的色域藝術與極簡主義運動進行了類似的對比,以強調美洲原住民藝術形式在這些風格演變中的影響。她引導觀眾思考這些觀念如何塑造我們的美感感知和判斷,同時也思考文化記憶和社群的角色。

懷特霍克的作品涵蓋繪畫、雕塑、攝影、表演和裝置藝術。除了油畫和壓克力顏料外,她還運用了拉科塔藝術形式中常用的材料,例如珠子、豪豬刺和鹿皮。

「我致力於創作誠實、包容的作品,汲取我豐富的人生經歷,」懷特霍克在一份聲明中說道,融合了原住民和非原住民、城市、學術和文化教育體系的影響。她繼續說: “這讓我能夠從中心出發,加深對自我與文化的複雜性、個人歷史與國家歷史之間的關聯,以及原住民藝術史與主流藝術史之間的理解。”

 

Lakota 與西方藝術史在 Dyani White Hawk 充滿活力的作品中交融

 

從精心串珠的服飾到抽象的鹿皮畫,白鷹畫廊 (White Hawk) 的裝置藝術作品展現了創作傳統拉科塔藝術作品所需的冥想式勞動和對細節的極致關注。這些作品充滿活力,大膽而又具有對抗性。畫廊表示,這些充滿活力的幾何圖案直白而深刻,以一種「顛覆歐洲中心主義藝術史分類」的方式呈現。

懷特霍克指出,她的混合媒體畫布尊重“拉科塔婦女和土著藝術家對我們國家藝術史的貢獻的重要性……以及土著藝術家如何幫助塑造受其作品啟發的西方藝術家的實踐演變。”

「滋養」裝置作品寬近31英尺(約9.4公尺),高14.5英尺(約4.3公尺),由數千塊手工瓷磚組成,視覺上借鑒了拉科塔族的珠飾和羽毛工藝。作品永久展出於紐約惠特尼美國藝術博物館,並透過馬斯登·哈特利和波洛克等畫家的作品,與美國現代主義的歷史展開對話。這些畫家被譽為美國抽象主義的先驅,同時也深受美國原住民藝術的影響。

 

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畫廊表示:「白鷹的藝術實踐核心在於對祖先的尊重,並以關係和關懷所有生命為核心的價值體系為指導。透過解決影響原住民社區的不平等問題,她創造了跨文化交流的機會,並引發了對藝術和國家歷史建構方式的批判性審視。她的作品引導觀眾評估當前的社會價值體系及其支持公平未來的能力。」

位於明尼阿波利斯的 Bockley 畫廊代理白鷹藝術家作品已逾十年,最近宣布與紐約的 Alexander Gray Associates 聯合代理白鷹藝術家作品,她將於 2026 年秋季在 Alexander Gray Associates 舉辦個人作品展。如果您在明尼亞波利斯,《愛的語言》將於 10 月 18 日在沃克藝術中心開幕,並持續至 2 月 15 日。之後,展覽將移至薩斯喀徹溫省薩斯卡通的Remai Modern,展出時間為 2026 年 4 月 25 日至 9 月 27 日。更多信息,請訪問白鷹藝術網站

 

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碎片重組 2025 科莫湖設計節精彩亮點

碎片重組 2025 科莫湖設計節精彩亮點

  科莫湖設計節提供了截然不同的東西:較慢的節奏和地方感,設計與歷史、景觀和工藝對話。在森林覆蓋的山丘和美好年代別墅的背景下,這座城市的身份始終與優雅和生產聯繫在一起——從羅馬式石雕和理性主義建築到曾經覆蓋歐洲的絲綢工廠。在這樣的背景下,碎片亮點重組了2025 科莫湖設計節。     說到設計活動,很少有地方能在活動的密度方面與米蘭設計週相媲美。然而,剛從第七屆科莫湖設計節回來的我們意識到,與設計最能引起共鳴的邂逅並不總是來自規模,而是來自環境。科莫,以其多層次的魅力和手工傳統,提供了截然不同的東西:較慢的節奏和地方感,設計與歷史、景觀和工藝對話。在森林覆蓋的山丘和美好年代別墅的背景下,這座城市的身份始終與優雅和生產聯繫在一起——從羅馬式石雕和理性主義建築到曾經覆蓋歐洲的絲綢工廠。在這樣的背景下,藝術節在別墅、公園和廢棄的教堂中展開,其主題「碎片」不僅透過展出的物品迴盪,也透過城市本身迴盪,層層歷史構成了一幅城市掛毯,過去的碎片交織在當代日常中。     今年的主題恰逢其時。在一個飽受衝突、兩極化和氣候劇變摧殘的世界裡,碎片化是我們日常生活中不可或缺的一部分。然而,這次藝術節邀請我們以不同的視角看待它:它並非崩潰,而是一次重生的機會,一次對千篇一律的反抗,一次重新連結的姿態。無論是在字面上對廢棄石材和木材的再利用,還是在概念上對歷史、記憶和個人敘事的層層疊加,我們都在每一次展覽中追尋著這條線索。 我們的旅程從藝術節的中心——奇洛梅特羅·德拉·諾森扎(Chilometro della Conoscenza)開始。這座線性公園將湖畔的三棟歷史悠久的別墅串聯起來,也成為了藝術節的中心。「當代設計精選」展覽由Giovanna Massoni策劃,被設想為一座露天藝術館,匯集了一群國際設計師,他們的作品散落在場地各處,如同一條條等待拼湊的線索。       我們在這裡看到的許多作品都毫無保留地以材料為主導,設計師們突出了他們所選用的材料的傷痕和不規則性。以荷蘭的日本設計師Sho Ota的 Amphisbaena Bench 為例,它是與倫敦Agglomerati的Sam Henley合作創作的。它長五米,其微妙蜿蜒的形狀讓人想起神話中兩端各有一個頭的蛇,由曾經打算送往梵蒂岡的未使用的石灰華邊角料製成,其支離破碎卻又悄然不失紀念意義的形式簡潔地概括了今年的主題。作為 Ota 正在進行的Surfaced 系列的一部分,該系列的靈感來自日本boro紡織品(明顯有補丁和縫補的服裝),這張長凳成為了透過修復實現連續性的隱喻。

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